Живопись конца XIX - начала XX века. (К.Коровин, В.Серов)

Введение

Конец XIX - начало ХХ века - важный период в развитии русского искусства. В начале ХХ века Россия занимала четвертое - пятое место в мире по уровню своего экономического развития, благосостояние большинства народа оставляло желать лучшего. Однако была область жизни, в которой Российская империя не уступала никому, это - культура, переживавшая свой Серебряный век - время подлинного расцвета. В это время не только Европа - весь мир сверяется и в искусстве, и в общественной мысли с координатами культурной жизни России.
Культура конца XIX – начала ХХ века представляла собой сложное и противоречивое явление. Это давало повод говорить о ее духовном подъеме и мощном расцвете. То, что позднее Н. Бердяев назвал «русским культурным ренессансом». В то же время, провозглашение асоциальности как нормы, провозглашение культа творчества, сосредоточение на поисках нового религиозного сознания свидетельствовало об определенном отступлении от гуманистических представлений XIX века, определивших «золотой век» русской культуры.
Бурное время поисков дало миру новую живопись и великие имена художников. В нашей работе мы остановимся на творчестве таких художников, как Константин Коровин и Валентин Серов.
Актуальность данной работы заключается в том, что русская живопись конца XIX – начала ХХ века представляет собой поистине масштабное художественное явление. Это время зарождения импрессионизма и модерна. Благодаря новым художественным техникам В. Серова и К. Коровина живописное искусство получило дальнейшее развитие в новом ключе. Оно стало выражением образом видения, чувствования и мышления художника того времени.
Целью нашей работы является рассмотрение живописного творчества Валентина Серова и Константина Коровина.
Для достижения поставленной цели были обозначены следующие задачи:
определить особенности живописного искусства конца XIX – начала ХХ века;
дать характеристику творчества К.Коровина и В. Серова;
проанализировать ключевые работы В. Серова и К. Коровина.

ГЛАВА I. СПЕЦИФИКА РУССКОЙ ЖИВОПИСИ КОНЦА XIX – НАЧАЛА ХХ ВЕКА

Пережив «золотой» XIX век, испытав кризис и упадок во второй его половине, Россия неожиданно, но закономерно вступила в новый период расцвета своей национальной культуры, который впоследствии получил наименование Серебряного века. Ни до, ни после в стране не происходило такого интенсивного, напряженного созидания во всех сферах духовного творчества, не было такого богатства и разнообразия художественных направлений и объединений, эстетически ярких и художественно совершенных, при всех их различиях и яростной конфронтации.
Примерно сорокалетний период (с 1880 по 1921 г.) в истории России оказался на редкость сложным, противоречивым, неоднозначным и кризисным во многих сферах общественной жизни. Это был период обновления разнообразных видов и жанров художественного творчества, переосмысления, всеобщей переоценки ценностей. [6, с. 11]
Конечно, культура Серебряного века не могла не впитать в себя художественные традиции, эстетические и моральные идеалы предшествующего времени, но, также, ее характерными чертами стали новое осмысление социальных и нравственных проблем, поиски художественных средств и методов, открывших новые горизонты в искусстве. [8, с. 382]
Отход от канонов классического искусства и поиск новых утонченных, элитарных форм выражения мысли и чувства, создало противоречивость и сложность, что вело к парадоксальной оценке новой эпохи, как своеобразного единства: упадок – расцвет. [9, с. 25]
Единство и целостность культуры Серебряного века заключались в сочетании старого и нового, уходящего и нарождающегося, во взаимовлиянии разных видов искусства, в переплетении традиционного и новаторского. Иными словами, в культуре русского ренессанса произошло уникальное сочетание реалистических тенденций уходящего XIX в. и новых направлений наступающего XX в. [8, с. 382]
С кризисом народнического движения в 1890 е гг. многие из художников-передвижников испытывали творческий упадок, ушли в «мелкотемье» развлекательной жанровой картины.
Традиции Перова сохранялись более всего в Московском училище живописи, ваяния и зодчества благодаря преподавательской деятельности таких художников, как С.В. Иванов, К.А. Коровин, В.А. Серов и др. [2, с. 237]
Сложные жизненные процессы обусловили многообразие форм художественной жизни этих лет. Все виды искусства – живопись, театр, музыка, архитектура выступили за обновление художественного языка, за высокий профессионализм.
Для живописцев рубежа веков свойственны иные способы выражения, чем у передвижников, иные формы художественного творчества – в образах противоречивых, усложненных и отображающих современность без иллюстративности и повествовательности. Художники мучительно ищут гармонию и красоту в мире, который в основе своей чужд и гармонии, и красоте. Вот почему свою миссию многие видели в воспитании чувства прекрасного. Это время «канунов», ожидания перемен в общественной жизни породило множество течений, объединений, группировок, столкновение разных мировоззрений и вкусов. [7, с. 46]
Время требовало нового: новых тем, новой эстетики, нового понимания смысла и задач искусства. И это новое было провозглашено и стало активно реализовываться объединением «Мир искусства», созданного С.Дягилевым и А.Бенуа. Они устраивали регулярные выставки своих единомышленников, начали издавать свой журнал под тем же названием «Мир искусства». Где широко обсуждались актуальные проблемы как современного, так и искусства прошлых эпох. [4, с. 52]

Их главная идея – искусство для искусства – развивала мысль, что художественное творчество самом по себе имеет высшую ценность и не нуждается в каких-либо идейных предписаниях со стороны. Целью творчества они считали постижение и создание красоты, понимая ее как «темперамент художника, выраженный в образах». Ее источником могло стать все: от реалий действительности до самой прихотливой фантазии художника. В конечном счете, цель искусства – самовыражение творца, но всегда сохраняющее жизненную конкретность. [4, с. 55]
Объединение «Мир искусства» не являлось каким-либо художественным течением или направлением, строго придерживающимся единой системы эстетических принципов. Все, входящие в него, в разное время, от старших до младших, были яркими индивидуальностями, и каждый шел своим путем. Достаточно назвать такие имена как И.И. Левитан (1860-1900), В.А. Серов (1865-1911), М.А. Врубель (1856-191), К.А. Коровин (1861-1939), А.Н. Бенуа (1870-1960), К.А. Сомов (1869-1939), М.В. Добужинский (1875-1957), И.Я. Билибин (1876-1942), Н.К. Рерих (1874-1947).
Импрессионистические уроки плэнерной живописи, композиция случайного кадрирования, широкая свободная живописная манера – все это результат эволюции в развитии изобразительных средств во всех жанрах рубежа веков. [2, с. 239]
Серебряный век убедительно продемонстрировал, что подлинный расцвет культуры совершается там и тогда, когда таланты не сталкиваются с насилием государства, которое стремится подчинить духовную жизнь общества своим политическим целям.
Таким образом, русская живопись к началу XX столетия была итогом процесса огромного и сложного развития

. Гуманизм и гражданственность, народность и демократизм, высокая образность и глубокая духовность были отличительными чертами на всех этапах ее истории. В канун революционных событий 1917 г. она обладала богатейшим художественным наследием, культурными ценностями мирового уровня.
ГЛАВА II. ТВОРЧЕСТВО КОНСТАНТИНА КОРОВИНА

Константин Александрович Коровин (1861-1939) – живописец, один из основоположников импрессионизма в России. В 1875 г. поступил в МУЖВЗ, где занимался у И.М.Прянишникова, В.Г. Петрова, А.К, Саврасова, В.Д. Поленова.
«Пейзаж – это трудно выразить словами, это так похоже на музыку» - писал К.А. Коровин в своих воспоминаниях. [1, с. 65]
Уже в ранних пейзажах Константина Алексеевича Коровина (1861–1939) решаются чисто живописные проблемы – написать серое на белом, черное на белом, серое на сером. «Концепционный» пейзаж (термин М.М. Алленова), такой, как саврасовский или левитановский, его не интересует. [2, с. 240]
Коровина не привлекали ни сюжеты из народной жизни, ни свойственные передвижникам социальные разоблачения. Ему близок французский импрессионизм, и он мастерски передает неуловимое, мгновенно промелькнувшее и ускользающее впечатление от игры света.
Работал он быстро и вдохновенно: несколько энергичных движений руки и коротких касаний – и вот уже на холсте выступает опушка леса, буке цветов, кисть рябины или мокрая после дождя терраса. Живописи Константина Коровина свойственно точное ощущение русской природы, интонации российских полей, перелесков, сарайчиков, мосточков. [1, с. 82]
В 1883 г. написал «Портрет хористки» (1883), имевший большое значение для развития художественного языка. В нем отсутствовало любование моделью, исключена была всякая идейность. Все это было принесено в жертву для решения чисто живописной задачи. Искусство Коровина не вызвало восторгов со стороны преподавателей-передвижников, и в 1886 г. он был выпущен из училища с дипломом неклассного художника. [2, с. 241]
Во время поездки в Валенсию художник написал картину «У балкона. Испанки Леонора и Ампара» (1888-1889), отличающуюся гармонией черного и серого. Картина принесла ему известность. В 1900 г. Коровин получил за нее золотую медаль на Всемирной выставке в Париже.
На картине изображены две девушки, стоящие на ковре у окна с видом на балкон. Эти девушки, прислонившись друг к другу, являются центральной частью композиции. Живо увлеченные происходящим на улице, они заглядывают в жалюзи. Художник уделял большое внимание игре оттенков света, проходящих сквозь жалюзи. Наряду со светом скользящие штрихи, выполненные в стиле импрессионизма, также выглядят декоративно, характерно для модерна. [7, с. 93]
Для блестящего колориста Коровина мир представляется «буйством красок». Щедро одаренный от природы, Коровин занимался и портретом, и натюрмортом, но его любимым его жанром оставался пейзаж. Он принес в искусство прочные реалистические традиции своих учителей из Московского училища живописи, ваяния и зодчества – Саврасова и Поленова, но у него другой взгляд на мир, он ставит другие задачи.
Он рано стал писать на пленэре, уже в портрете хористки 1883 г. видно самостоятельное развитие им принципов пленэризма, воплощенных затем в ряде портретов, сделанных в имении С. Мамонтова в Абрамцеве («В лодке», портрет Т.С. Любатович), в северных пейзажах, исполненных в экспедиции С. Мамонтова на север («Зима в Лапландии»). [2, с. 240]
В своем живописном методе Коровин основное значение придает поиску цветовых отношений, при этом гораздо меньше внимания уделяет композиции.
Картина «Зимой» (1894) стал программным для целого направления в русском пейзаже. На картине изображена лошадь, запряженная в сани, тихо стоящая на снегу у деревенской избы. Рядом с ней голые зимние деревья и шаткий забор. Вдали, на горизонте, под облачным небом видна темная полоса леса.
В цветовой гамме картины преобладают различные оттенки серого и белого цветов, в которых можно различить и тёплые, и холодные тона, совокупность которых создаёт эффект перламутрового свечения. В частности, оттенки серого цвета не являются смесью чёрного и белого, а получены смешиванием контрастных тёплых и холодных тонов.
В последующие году художник написал большое количество этюдов, которые возникли в результате многочисленных поездок по России и Европе. В них великолепно переданы полутона северных пейзажей, ночных городов или, напротив, яркие цвета южных пейзажей. Характерными для творчества Коровина становятся так же натюрморты с цветами. [1, с. 102]
Его французские пейзажи, объединенные названием «Парижские огни», – это уже вполне импрессионистическое письмо, с его высочайшей культурой этюда. Острые, мгновенные впечатления от жизни большого города: тихие улочки в разное время суток, предметы, растворенные в световоздушной среде, лепленые динамичным, «дрожащим», вибрирующим мазком, потоком таких мазков, создающих иллюзию завесы дождя или городского, насыщенного тысячами разных испарений воздуха, - черты, напоминающие пейзажи Мане, Писсарро, Моне. Коровин темпераментный, эмоциональный, импульсивный, театрализованный, отсюда яркая красочность и романтическая приподнятость его пейзажей («Париж. Бульвар Капуцинок», 1911; «Париж ночью. Итальянский бульвар». 1908). [2, с. 240]
Картина «Париж. Бульвар Капуцинок» в отличие от более ранних работ, это произведение композиционно интереснее и динамичнее по цвету. Как часто бывало, художник писал из окна верхнего этажа гостиницы, что позволило ему увидеть всю площадь. Любопытна техника, найденная художником: контраст маленьких фигур людей и больших экипажей и машин. Их диагональное движение насыщает картину особой энергией. Образ шумного перекрестка позволил художнику показать не город-музей, а современную европейскую столицу. Высотные здания города, как и его жители, преображаются вечерними огнями, их теплый, охристо-золотой цвет становится праздничным украшением города. [7, с.63]
Такие же черты импрессионистической этюдности и поразительный артистизм сохраняет Коровин и во всех других жанрах, прежде всего в портрете и натюрморте, но также и в декоративном панно, в прикладном искусстве, в театральной декорации, которой он занимался всю жизнь (Портрет Шаляпина, 1911; «Рыбы, вино и фрукты» 1916).
Картина «Рыбы, вино и фрукты» – один из великолепных по колористическому богатству так называемых ночных натюрмортов автора - натюрмортов с искусственным освещением, которое усиливает декоративное звучание цветов. Главным содержанием натюрморта становится драма взаимодействия цвета и света. Свет играет с рефлексами на холодной зеркальной поверхности рыбы, цвет приобретает тепло во фруктах, а в глубине сосуда с вином он читается как драгоценный рубин