Искусство XX века, оказавшее влияние на становление дизайна как нового искусства.

Введение
Дизайн – один из самых молодых видов искусства и проектно-художественной деятельности. Как самостоятельное направление он появляется на рубеже XIX-XX веков, когда в результате промышленной революции, захватившей многие европейские страны, были заложены все условия для формирования и развития самостоятельного вида художественного производства индустриальных изделий. Первые специалисты, которые обратились к сфере дизайна, были художники и архитекторы, которые верили в научно-технический прогресс и промышленное производство и поэтому не боялись заниматься новым делом, которое способно обеспечить комфортную жизнь людям.
Дизайн зарождался в нестабильную эпоху, когда машинное производство и научно-технический прогресс до основания потрясли старый миропорядок. В это время прежние представления о технике, культуре и человеческой деятельности претерпели колоссальные изменения.
На рубеже XIX-XX века возникает последний «Большой стиль» в истории европейского искусства – модерн или Ар Нуво, который охватил все виды человеческой деятельности. Основой этого стиля был поиск выразительности – дизайн ткани обоев в это время приравнивался к дизайну книжного переплета, лампы, столового прибора, вазы, стула и, наконец, - здания. Ар Нуво был не только стилем, он был также новым мировоззрением, которое охватывало все виды искусства, и которое ценило взаимодействие ремесленника и художника. Постепенно увлечение красотой орнамента и природными формами начало утихать и уже к 1910-м годам художники начали обращаться к рациональным и конструктивным решениям, как бы возникающих из самой сути их творчества.
Вместе с тем, в искусстве начала XX века происходило радикальное переосмысление наследия прошлых веков, в результате которого при создании произведений все большую значимость приобретает ценность конкретной идеи и концепции, что, в конечном итоге приводит к изменению привычного качества произведения искусства. Ряд авангардных направлений того времени – кубизм, фовизм, абстракционизм – отвергли классическое искусство ради построения нового искусства «будущего», лишенного старых традиций и догм. Вслед за этими новыми течениями в искусстве, которые несли в себе дух новаторства, развивается и дизайн. Так, появляется голландская группа «Де Стейл» и, наконец, «Баухауз», который стал настоящей колыбелью современного дизайна.
В данной работе мы проанализируем искусство начала XX века, оказавшего влияние на становление дизайна как нового искусства. Стоит сразу оговориться, что мы не будем рассматривать историю дизайна на рубеже XIX-XX веков и останавливаться движении «Искусство и ремёсла» Уильяма Морриса или на эпохе Ар Нуво. Также мы не берем для рассмотрения российский авангард 1910-х, конструктивизм и первые советские школы дизайна – ВХУТЕМАС-ВХУТЕИН. В данном реферате мы остановимся на искусстве раннего авангарда в Западной Европе, а потом на двух знаковых этапах развития европейского дизайна – появлению голландской группы «Де Стейл», а затем возникновению и функционированию немецкой школы «Баухауз». Подобная избирательность обусловлена лишь малой формой исследования, в рамках которого невозможно охватить яркую и сложную эпоху начала XX века.
Таким образом, актуальность данного реферата связана с тем, что процессы, происходившие в искусстве и культуре XX века, продолжают оказывать влияние на художественный и промышленный мир и сегодня. Художники, дизайнеры и теоретики искусства обращаются к этому периоду и ищут вдохновение среди изобретений «Баухауза». Именно поэтому важно проанализировать процессы, которые помогли зарождению современного дизайна. Объектом нашего исследования является искусство начала XX века, а предметом – процессы, которые, в конечном итоге, привели к возникновению первой школы дизайна.
Искусство раннего авангарда в Западной Европе: кубизм, фовизм, абстракционизм
В поисках новых путей и смыслов в искусстве художники начала XX века начинают подвергать сомнению устоявшиеся представления о пространстве, форме, красоте, колорите и сюжете. При всей разнице в принципах и концепциях всех различных направлений, сложившихся в начале XX века, у них есть ряд общих черт: отказ от догматичности и статичности так называемого классического искусства, отождествление себя с новым и прогрессивным творчеством; акцент на личностном восприятии художника окружающей действительности; отказ от традиционных художественных средств и техник и поиск новых материалов; изменение традиционного представления о произведении искусства и вытеснение его эстетического начала. В конечном итоге в произведении искусства начинает цениться больше идея и общая концепция, чем качество и законченность в традиционном понимании. Все эти черты, характеризующие искусство указанного периода, повлияли на становление дизайна, как нового вида искусства.

Кубизм

Кубизм стал одним из первых течений в искусстве двадцатого столетия, повлиявших на становление дизайна. Его появление связывают с картиной Пабло Пикассо «Авиньонские девицы», написанной в 1907 году. На этой картине художник попытался разбить человеческие фигуры на отдельные составные элементы. Художники-кубисты, главным образом, Жорж Брак и Пабло Пикассо, стремились преодолеть соотношение между трехмерной реальностью, ограниченной нашим восприятием, и ее воспроизведением на плоскости холста. Они отказались от воссоздания иллюзии пространства и выстраивания перспективы, являвшихся основой европейской живописи с эпохи Ренессанса. В конечном итоге изображение на холсте перестало быть прямым отображением вещественного мира, но стало выражением стремления создания чистой живописи, самоценной самой по себе. Кубисты работали в жанре пейзажа, натюрморта, портрета, но привычные вещи и образы разлагали на составные элементы, запечатлевая их как бы со всех сторон одновременно. «Препарируя» таким образом предметы, художники рассматривают их не только сверху и снизу, но также изнутри и снаружи: «К трем измерениям пространства Возрождения кубизм добавил четвертое – время». Кубизм окончательно сформировался к 1910 году, перейдя к следующему этапу своего развития – «синтетическому». Под этим этапом подразумеваются работы Брака и Пикассо, выполненные в технике коллажа (от фр. «coller» - приклеивание). Так, художники создавали натюрморты, которые почти полностью были составлены из приклеенных кусочков различных материалов, где работа красками составляла лишь финальный аккорд при помощи нескольких завершающих линий

. Коллажи создавались из кусков дерева, веревок, листов железа, бумажных газет – из всех материалов, фактура которых наиболее полно отвечала замыслу художников. Содержание, смысл и общая концепция в таких работах берут верх над индивидуальным авторским мастерством.
Кубистические коллажи показали, что художники начали работать не только с традиционной фактурой холста, используя в творчестве только краски и кисти, но также, благодаря своему воображению, начали исследовать фактуру других материалов – дерева, железа, бумаги, текстиля – и других вещей, использовавшихся в создании коллажей. Как будет ясно дальше, первые «пионеры» в школе «Баухауз» также начали использовать фактуру разных материалов для создания функциональных предметов.

Футуризм

Кубизм был призван «разобрать» существующий мир вещей, чтобы воссоздать его заново в тщательно выверенных живописных композициях. Однако многие художники в новом стиле увидели также сходство с работой машин, технически точно воспроизводящих геометрические формы предметов. Ослепленные техническим прогрессом, эти художники мечтали воспроизвести в своем творчестве динамизм современной жизни и воспеть красоту машины. Наиболее полно в начале XX века культ технического прогресса отразили художники-футуристы, бросившие вызов идеалам прошлого под знаменем промышленной эры и века высоких скоростей.
Футуризм начался с манифеста итальянского поэта Филиппо Томмазо Маринетти (1976-1944), опубликованного 20 февраля 1909 года на первой полосе французской газеты «Фигаро». Маринетти обращался к богатому художественному прошлому Италии, пытаясь донести идею о том, что современное итальянское искусство задавленно наследием золотого века – прежде всего Древного Рима и эпохи Возрождения. На момент публикации манифеста футуризм существовал как литературное направление, художественное появилось лишь год спустя, что отличает его от других течений того периода. Вторым отличием стал явный политический характер движения.
К движению футуристов примкнули такие художники, как Умберто Боччони (1882-1916), Карло Карра (1881-1966), Джино Северини (1883-1966), Джакомо Балла (1871-1958). Их картины и скульптуры соответствовали лозунгам манифеста и наглядно воплощали его тезисы: воспевание техники и прогресса, передачу художественными средствами ощущения энергии, движения и динамики современной жизни. Важными понятиями в творчестве футуристов были синтезия и кинестезия. Первое – уничтожение границ между разными чувствами, например, между зрением и слухом, второе – отсутствие различий между движущимся и покоящимся предметом. Эти понятия напрямую связаны с критикой и осуждением классической, буржуазной культуры, понимавшей живопись и скульптуру как статичные искусства. В противоположность этому, футуристы стремились передать в своих работах ощущение симультанности (от латинского simul — в одно и то же время), времени и движения. Примером может служить картина Джакомо Балла 1912 года «Динамизм собаки на поводке».
Футуристические картины и скульптуры заимствовали технические и композиционные изобретения кубизма, которые также пытались соединить время и пространство в единое целое, и применяли для этого похожую технику дробления и наложения плоскостей. Особенное влияние на творчество футуристов произвели фотографии французского ученого Этьен Жюля Маре, выполненные в технике «хромофотографии» - ранней формы стробоскопической съемки и Эдварда Мейбриджа.
Футуристы пошли дальше кубистов и, помимо создания коллажа, создавали произведения искусства, особенно скульптуры, из промышленно произведенных материалов: кожи, стекла, кусков металла. Примером случит скульптура Боччони (1914-1915) «Динамизм скаковой лошади». Эта работа стала одной из первых неизобразительных скульптур ХХ века.
Динамизм и новый подход в восприятии и использовании материалов также станут потом неотъемлемыми составляющими нового дизайна.
Абстракционизм

Новаторские идеи Пикассо, Брака и футуристов последовательно воплощались в искусстве художников-абстракционистов. Так, Василий Кандинский и Казимир Малевич радикально освободили язык живописи от подражания вещественному миру. Абстракционизм радикально отходит от предметности, разрушая формы вещей. Основоположником данного направления считается Кандинский, который в 1910 году написал акварель, на которой, по словам французского критика Ш. Брю «первый раз в истории живописи невозможно было что-то заметить или узнать на картине». Теоретически новое направление было обосновано художником в книге «О духовном в искусстве», в которой он писал, что главная задача искусства – «психической силой краски» вызывать душевную вибрацию. Цель же искусства заключается в самовыражении художника, а не в изображении действительности.
В 1912 году голландский художник Пит Мондриан начал свои эксперименты с геометрическими формами, которые позже назвал «неопластицизмом». Суть его творчества заключалась в сочетании вертикальных и горизонтальных линий, соединенных под прямым углом. Основными цветами, которыми писал Мондриан, являлись красный, синий и желтый; линии между ними он делал черными и серыми, называя их «не-цветами». Главную задачу своего творчества художник видел в устранении из живописи эмоциональное начала, полагая, что «божественное живет только при температуре ниже нуля». Пит Мондриан был убежден, что главной задачей художника является изображение чистой реальности без какой-либо субъективности и предметности. Абстракция является единственным способом передачи чистой реальности, именно поэтому природные мотивы необходимо свести к постоянным элементам формы, а природные цвета – к основным. Творчество Мондриана оказало влияние на специалистов, которые занимались предметными формами, - дизайнеров и архитекторов, воплощавших в предметном мире идеи художника. Новаторские идеи Малевича и Мондриана воплотились, например, в аксонометрии и макетах домов-партикулеров.

«Де Стейл»
Большое влияние на складывание дизайна оказала голландская группа «Де Стейл» (Стиль), которая действовала во время Первой мировой войны в Лейдене