Формирование исполнительской техники

Работа с ансамблем предполагает тщательное изучение текста и дальнейшую отработку всех необходимых его элементов. Особое внимание следует уделить освоению фактуры и формированию игровых движений, т.е. произвести детальный разбор произведения.
Вчитывание в текст предполагает, прежде всего, тщательное уяснение ритмики, ритмических рисунков и их взаимосвязь. Далее следует выявить и проанализировать все штрихи, присутствующие в произведении и определить пути их воплощения.
Третий важный аспект – динамика. Необходимо уже на первом этапе определить все динамические нюансы, прочувствовать их, т.к. от динамики, её точного соблюдения зависит художественная выразительность при игре.
После этого следует приступить к определению наилучшего варианта аппликатуры. Это – один из специфических аспектов игры на баяне, поскольку у баяниста практически нет зрительного контакта со клавиатурой. Потому переходы следует довести до автоматизма, т.к. это – гарантия уверенной игры.
Все отработанные партии следует проигрывать в медленном темпе и по мере усвоения проигрывать с другими партиями, попутно устраняя все неточности. Особая статья – вступление новых голосов. Их введение в музыкальную ткань должно быть согласовано с главной темой музыкального произведения. Именно она является ориентиром для всего голосоведения.
Произведения, написанные в быстром темпе, нужно разучивать в медленном темпе. Обращаться к заданному темпу следует лишь тогда, когда партии будут безукоризненно отточены в медленном темпе.
При разборе произведения не стоит бесконечно проигрывать его от начала до конца. Если материал сложен, то целесообразно повторять его отдельные фрагменты, вызывающие особую трудность, и далее собирать их в единое целое.
Таким образом можно успешно решить две задачи: отточить какой-то отдельный эпизод и научиться переходить от одного выученного отрывка к другому. Баянистам в ансамбле приходится преодолевать технические сложности на фоне проблем с фактурой, поскольку в рамках одного произведения зачастую соединяются разные типы фактур.
Соотношения голосов с позиции динамики – не менее важная задача. Какой из них должен звучать тише, а какой громче – это вопрос, требующий выяснения на самом первом этапе.
Раз за разом баянисты – участники ансамбля – должны освоить все аспекты, которые входят в комплекс выразительных средств – ритмическая точность, синхронность при игре, выполнение штриховых обозначений. Реализация всех этих аспектов позволит создать фундамент для безупречного исполнения и приблизиться к высшей цели – передаче художественного образа. Каждая репетиция должна быть очередной ступенью в осуществлении поставленной задачи. Поэтому постепенно чтение с листа должно заменяться игрой наизусть.
Как известно, важнейшим условием воплощения художественной выразительности произведения является выполнение штрихов. Основными штрихами, употребляемыми в пределах ДМШ, являются legato, staccato и non legato

. Задача руководителя – оказать должную помощь в понимании сущности каждого из упомянутых штрихов. Кратко охарактеризуем каждый из них.
Legato предполагает плавное, связное исполнение звуков. При исполнении его на баяне не следует слишком отрывать пальцы, обращая внимание на звукоизвлечение.
Обратимся к staccato. Это штрих, противоположный легато, следовательно, являет собой краткое и острое исполнение звука. Несмотря на столь лаконичную характеристику, при исполнении стаккато существуют некоторые нюансы, такие как «твёрдость» и «мягкость», и зависят они от атаки звука.
Определить этот штрих на письме легко – благодаря проставленным над нотами точкам (иногда они стоят под нотами). Баянисты должны прочувствовать ту отрывистость, которая даёт возможность исполнить этот штрих.
Non legato – это очень своеобразный штрих. При его исполнении звуки не стоит связывать между собой, хотя длительность их практически аналогична legato.
Важнейшим фактором ансамблевой игры является достижение ритмического единства. Добиться его является порой нелёгкой задачей. Руководитель должен направить немало усилий на то, чтобы выработать в юных участниках ансамбля специальное чувство, именуемое у музыкантов «внутренним» (или «скрытым») дирижёром.
Под этим термином подразумевается ощущение метроритма и сильной доли. Если все участники будут чувствовать этот внутренний жест, указывающий на сильную долю, ансамбль будет един. Разумеется, для выработки единства нужны и другие элементы – такие, как синхронность и единство. И здесь именно метроритм является тем скелетом, на котором будет держаться организм ансамбля. Ритмическое единство способствует уверенности игры, её технической безупречности. Руководителю необходимо определить ритмически устойчивых исполнителей, чтобы они при случае выравнивали игру. Более слабые в этом отношении ансамблисты могут ориентироваться на них.
В практическом смысле ритмическое единство достигается посредством отработки партии, имеющей ритмические трудности. Однако прежде всего следует выбрать для совместной репетиции тот фрагмент, который бы своей ритмической структуре являлся бы определяющим и совместно проработать его, умело распределяя ансамблистов на «ведомых» и «ведущих».
Известно, что элементы фактуры проявляются на различных динамических уровнях. Проявление динамических нюансов происходит при контрастном сопоставлении этих уровней. Обозначенный аспект также требует тщательной совместной проработки.
Имеет смысл выработать у ансамблистов слуховое представление о ровном звучании, а затем на этой основе начать прорабатывать навыки, направленные на исполнение creschendo или diminuendo. Исполняя эти динамические штрихи, следует использовать принцип градации, т.е. приводит их в действие постепенно, распределяя силу звука