Анализ искусства начала XX века, оказавшего влияние на становление дизайна как нового искусства

Введение
Определений термина “дизайн” - великое множество, как и существующих серьезных научных работ и различных мнений на данную тему.
Вот, например, определение, данное дизайну на узко специализированном международном семинаре, который проходил в Брюгге в 1964 году: "Дизайн - это творческая деятельность, целью которой является определение формальных качеств промышленных изделий. Эти качества включают и внешние черты изделия, но главным образом те структурные и функциональные взаимосвязи, которые превращают изделие в единое целое, как с точки зрения потребителя, так и с точки зрения изготовителя" [2].
В настоящее время традиционными дизайн - ориентированными странами являются Германия, США, Италия и Япония, в которых производственная и торговая отрасли уже давно глубоко интегрированы с областью дизайна.
В некоторых Скандинавских странах, а также Японии и Италии, дизайн присутствует во всех видах деятельности. Другие страны, такие как Франция, Великобритания и Россия, имеют прекрасно развитую и богатую культуру художественного, научно-технического и предметного творчеств.
В наше время высоких скоростей и стремительно развивающихся технологий задача повышении креативности и разнообразия проектных решений с помощью дизайна как инновационного жанра проектного творчества особенно актуальна.
Если проследить тенденции развития дизайна за последние двадцать лет, то становится очевидным, что благодаря прогрессу и цифровым технологиям, появлению компьютера и интернета, визуальный язык дизайна и его возможности значительно расширились.
В наш век бурно развивающегося научно - технического прогресса уже не нужно долго вручную рисовать плакаты, чертежи, и создавать шрифты по лекалам, и переделывать по несколько раз композицию, придерживаясь кредо “семь раз отмерь, один отрежь”.
Теперь дизайн стал более доступен и быстр, чем раньше, начиная от стадии эскиза и заканчивая реализацией проекта. Вместо того, чтобы несколько дней работать над созданием своего уникального шрифта или быть ограниченным тем небольшим набором плёнок, что имеется в наличии у автора, теперь можно с помощью компьютера за полчаса перебрать миллиард шрифтов разных начертаний и создавать композицию бесконечное количество раз, не испортив и не потратив никаких своих принадлежностей.
Чем более развитыми становились технологии, тем быстрее ускорялся темп развития и распространения дизайна в художественно - культурном пространстве. Благодаря социальным сетям, расстояние между разными частями света значительно сократились, и появилась возможность моментального контакта между дизайнером и представителем галереи, выставки или другого арт- пространства.
Если раньше, чтобы увидеть знаменитого на весь мир дизайнера и послушать его лекцию, нужно было ехать в другую страну или на другой конец света, искать встречи с ним и надеяться, что повезёт встретить его на биеннале, где будет необходимо долго охотиться за каталогом его работ, то теперь достаточно просто открыть сайт youtube и отыскать там его публичные выступления, или открыть сайт - поисковик и увидеть все работы, которые еще даже не вошли в каталог.
Открытость, доступность, скорость - это характеристики, точно отражающие эпоху технического прогресса, который не обошел и сферу дизайна.
Настоящая работа посвящена анализу искусства начала XX века, оказавшего влияние на становление дизайна как нового искусства, который как никогда актуален сегодня. Исследование истории дизайна позволяет понять полную картину практики современного дизайна, выявить его особенности в сравнении с другими видами искусства, а также спрогнозировать появление и определить новые стратегии его развития.
1 История возникновения и становления дизайна
Феномен дизайна многогранен, благодаря этому и существует такое множество подходов к его исследованию.
Например, Дж.Рескин, выдвигает именно промышленное искусство на вершину иерархии искусства, ведь суть творчества составляют не одни лишь изящные искусства – живопись, поэзия, музыка, но и бытовая среда материального мира - промышленное искусство - дизайн.
Г. Земпер отожествляет искусство и дизайн, сравнивая их как высокое и низкое искусство, и подчеркивает, что между ними нет принципиальной разницы.
Г. Саймон говорит о многопрофильности и доступности дизайна: “Дизайном занимается каждый, кто разрабатывает варианты действий, направленные на изменение существующих ситуаций в предпочтительные” [6].
Еще издревле облик предметно-пространственного окружения человека определялся лишь функциональностью, которая заменила нормы канонической культуры и стала многовековой традицией. Модернизация формы изделия происходила весьма медленно и только по необходимости, а полная смена предметной среды занимала столетия. Так продолжалось вплоть до времён промышленно – индустриальных революций XX века.
Изучим основные этапы зарождения и эволюции дизайна, который в 1920-х годах получил название Industrial design. Вторая половина XIX века.
Еще во времена первой Всемирной выставки в Лондоне 1851 г. лучшие прогрессивные европейские художники и архитекторы столкнулись с проблемой отсутствия стиля и эклектики произведений искусства и изделий машинного производства. Тогда же английский художник, поэт, прозаик, издатель и социалист, неофициальный лидер Движения искусств и ремёсел Уильям Моррис (1834-1896) предпринимал утопические попытки отказаться от продукции массового потребления с безвкусной имитацией ручного декора вернуться к выразительной работе ремесленного искусства. Плотный орнамент на обоях, тканях и коврах Морриса напоминает средневековые гобелены; витражи и росписи по дереву – готические аналоги, и даже оформленные им книги похожи на манускрипты XI–XIII веков.
Образец плитки по эскизам орнамента Уильяма Морриса 1875 года из архивов Музея Виктории и Альберта в Лондоне и кресло 1870 года, обитое шерстяной тканью Bird показаны на рис. 1.
Рисунок 1 - Образец плитки и обитое тканью кресло, выполненные по эскизам
Уильяма Морриса
Моррис предпринял немного наивные и совершенно безрезультатные попытки остановить развитие машинного производства с его более дешевой продукцией и замедлить технический прогресс, призывая к индивидуальному и эксклюзивному ремеслу.
Но вместе с этими неуклюжими попытками высветилась проблема создания совершенно нового пути, отличного от ремесленного подхода, который будет актуален в период промышленной и технической революции.
В то же время немецкий теоретик, историк искусства, теоретик промышленного дизайна и архитектор Готфрид Земпер (1803-1879), автор таких красивейших достопримечательностей Саксонского региона Германии, как картинной галереи и «оперы Земпера», Цвингера, Придворной церкви и замка – резиденции в Дрездене, обсерватория в Цюрихе, здания оперы в Вене, написал основополагающую работу «Стиль в технических и тектонических искусствах, или практическая эстетика». Земпер рассматривал форму как симбмоз ряда факторов:
- практическое содержание или назначение здания;
- используемый материал и способы его обработки;
- вкусы потребителей, обусловленные существующими традициями, религиозными и политическими веяниями, личность художника-творца.
Эти и другие концепции Земпера в последующем легли в основу теории функционализма [3].
Рисунок 2 – Вилла Роза и Картинная галерея Дрездена, архитектор Готфрид Земпер
Таким образом, как новый метод проектирования и организации среды, дизайн всесторонне исследуется с точки зрения культурологии, социологии, экономики и даже психологии. На развитие дизайна оказывают основополагающее влияние сфера искусств и художественная культура общества, а также степень развития науки и техники.
Количество вещей, создаваемых художниками различных видах искусств, растет, и дизайн вычленяется из областей искусств и инженерии в отдельный вид творческого проектирования.
Рисунок 3 – Вид снаружи входной двери дома Бернса в Дармштаде
165103175В некоторых литературных источниках указывается, что отсчет начала истории дизайна следует вести от 1907 года, когда архитектор, график, художник и будущий отец индустриального дизайна Пётер Беренс начал свою новаторскую работу в концерне "Allgemeine Elektrizitat Gesellschaft" AEG в качестве художественного директора, где создал множество методов проектирования и моделей предметов для серийного производства. Беренс был новатором и находился в постоянном поиске новых стилей и форм, его творчество в настоящее время относят к стилю индустриального классицизма, а вид его деятельности – к художественному конструированию.
Рисунок 4 – Сочетание геометрических фигур круга, 6-гранника или овала
в продукции AEG, сконструированной Беренсом
Так дизайн, являющийся результатом уникального взгляда художника на окружающее предметное пространство, служит, тем не менее, социальным, культурным, технологическим потребностям общества. Создаваемый индустриальной культурой в условиях бурно развивающейся науки и техники продукт, обязан быть удобным и функциональным, и эстетически привлекательным.
Таким образом, в самом начале XX века талантливые немецкие художники – архитекторы - Х.Ван де Вельде, П.Беренс, Г.Мутезиус, Людвиг Мис ван дер Роэ и Ле Корбюзье и прочие, ворвались на мировую арену в области искусств и в 1907 г

. они учредили Германский Веркбунд - художественно-промышленный союз архитекторов и дизайнеров, выступающих за промышленное массовое производство предметов искусства. После чего на изделиях появился знак «сделано в Германии», а основной концепцией серийного производства стала внешняя привлекательность, комфорт и удобство, а так же безопасность использования изделий.
В 1920-е годы разразилась мировая война, а затем и революции, которые привели к всеобщей разрухе. Для искусства это был трудный период, однако, активность критиков, архитекторов и художников не угасала, а даже наоборот, это был период становления профессионального образования в области архитектуры, дизайна и искусств.
В Германии в 1919 г. первопроходец модернизма, педагог и архитектор Вальтер Гропиус (1883-1969), создает художественно-промышленную школу Баухауз манифест которой: «искусство и техника – новое единство», и сформулировал главный принцип функционализма: степень красоты изделия определяется соответствием формы предмета его функциональным возможностям.
«Давайте вместе придумывать и создавать новое здание будущего, где все сольется в едином образе: архитектура, скульптура и живопись. Здание, которое вознесется на небеса руками миллионов ремесленников подобно кристальному символу новой грядущей веры», «максимум света, солнца и воздуха для всех жилищ!» - провозглашал Гропиус [4].
Опасаясь правительства третьего рейха, в 1937 году Гропиус эмигрирует в Америку и получает должность профессора архитектуры в Гарвардском университете, затем получает звание академика, основывает архитектурное бюро «The Architects Collaborative» из выпускников Гарварда, которое затем становится самым известным во всем мире.
Но существует еще одна гипотеза об истоках дизайна, согласно которой, начало дизайна было положено именно в Америке, в годы кризиса 1929, когда многие художники, в том числе и Генри Дрейфус, Дорвин Тииг, Раймонд Лоуи пришли на помощь крупным промышленникам Америки, чтобы ускорить процесс сбыта их продукции за счет придания ей более актуальной, оригинальной формы, отделки из современного материала [5].
Так, дизайн становится отражением симбиоза многопланового искусства и технологии: он отвечает культурным и художествнным требованием большинства, создавая серийность, и одновременно проявляет свою уникальность; выходит из истории общества и промышленности, но направлен на организацию пространства будущего; создает новое и, тем не менее, сохраняет первозданную форму.
Кроме того, дизайн уже интегрирует в себе процесс декорирования, проектирования и стайлинг; выражается в архитектуре, графическом дизайне, проектировании интерьерного пространства, именно поэтому у истоков развития дизайна находятся архитекторы, дизайнеры, социологи, экономисты и психологи.
Пионерами дизайна были художники и архитекторы, которые искали новые пути и возможности развития серийного машинного производства. они были увлечены широтой масштаба и сложностью задач, не сравнимых с теми, которые прежде стояли перед художником – в основном придавать красоту быту элиты общества.
Дизайн становится демократичной проектной художественно-технической деятельностью по разработке промышленных изделий с высокими потребительскими свойствами и эстетическими качествами, и организации гармоничного предметного производственного, социально-культурного и бытового пространства. Объектами дизайна являются такие промышленные товары и изделия, как одежда, бытовая техника, посуда, мебель, производственное оборудование и др.
2 Влияние искусства середины XX века на развитие дизайна
Во все времена творчество известнейших (да и малоизвестных) художников было направлено на поиск новых отношений и взаимодействия человека со своим окружением. Задача настоящего художника состоит не в простом как можно более точном копировании окружающей реальности, а в представлении перед зрителем нечто такого, что не осознается обычным обывателем, но находит формы выражения эмоций и чувств, которые живут внутри каждого человека. Исследуя развитие живописи той эпохи, мы можем глубже понять концепцию и выражение современной архитектуры и дизайна.
Пионером дизайна считают английского художника Генри Кола (1808-1882), который в 1845 г. изобрел термин «художественная промышленность» (Art Manufactures), означающий, по его собственным словам, «изящные искусства или красоту, приложенные к механическому производству». С 1849 по 1852 г. Генри Кол издавал «Журнал дизайна» («Journal of Design»), обращая внимание на прибыльность и коммерческую ценность проектов. Однако еще ранее, в 1832 г., политик и английский промышленник Роберт Пиль предложил за счет использования искусства укреплять конкурентоспособность английских товаров.
Модернистские хуожественные течения всегда были нацелены глубокие социальные и культурные реформы. Как результат поиска новизны в искусстве возникает фовизм, основу которого составляла живопись Матисса, Дерена, Брака, Ван-Донгена, Марке и Руссо. В 1906 г. в салоне Независимых они в одном зале выставили свои произведения, производящие впечатление исступленности, неистовости, насыщенности резким, материально ощутимым светом, так они стали “фовистами” – “дикими” (рис. 5).
Рисунок 5 – Генри Матисс, Танец
Перспектива и трехмерное восприятие жизни, пространственная геометрия Эвклида всегда являлись основополагающим элементом живописи.
Около 1910 г. рождается новая концепция пространства, значительно расширяющая способы его восприятия - кубизм. Такие именитые кубисты как Пабло Пикассо, Жорж Брак, Хуан Грис, Поль Сезанн и другие, отказались воспроизводить внешний вид оъектов с одной-единственной точки зрения и угла обзора, теперь они обходят их кругом, пытаясь показать их глубину и внутреннее строение с различных точек зрения, при этом не отдавая предпочтения ни одной из них.
Кубисты выявляют геометрическую структуру реальной объемной формы объекта их исследования, разбирая ее на определенным образом организованные элементы в пространственно-временном континууме.
Свое восстание против пространственной геометрии кубисты Брак и Пикассо продолжают полным отказом от буйства красок, ограничившись лишь монохроматическими сочетаниями цветов коричневых и серых оттенков. Работы в стиле аналитического кубизма (коллажи Пикассо, 1912 г.) характеризуются полным распадом форм объектов вплоть до полного исчезновения предмета, главная тема в которых – комбинирование плоскостей в пространстве картины, так художник становится “монтажером” реальности.
Также в 1912 г. Марсель Дюшан создает свой первый “realy-made” (готовое изделие), который представляет из себя “передвижную скульптуру” в виде велосипедного колеса, установленного на табурете, и демонстрирует первую акцию “концептуального искусства”, творческий замысел последнего состоит не в создании художественного произведения, а в проявлении духовной деятельности и разумной мысли.
Кубизм открывает путь к крайне абстрактному искусству Малевича и Мондриана, к всеобщему использованию любых материалов, что привело к стиранию различий между скульптурой и живописью, что впоследствии будет иметь название “ассамблаж”.
Так во Франции появились Озанфан и Ле Корбюзье, в Голландии – Ван Дусбург и Мондриан, в Венгрии – Мохой-Надь, в России – Малевич, и все они шли по пути интенсивной работы с плоскостями, что привело их к архитектуре.
Знаменитое Голландское движение “Стиль” было связано с творчеством трех человек: художников Пита Мондриана, Тео Ван Дусбурга и столяра-краснодеревщика Геррита Ритвельда. Первые посткубистские композиции Мондриана, например, в основном состояли из ломаных вертикальных и горизонтальных линий, а его другом был математик Шунмакерсон, благодаря которому и появился термин “неопластицизм”, который предполагал сведение палитры художника к основным цветам, о космической значимости которых он писал в своей книге “Новый образ мира”: “Тремя главными цветами являются желтый, синий и красный. Они – единственные существующие цвета... Желтый – это движение луча (вертикаль)... Синий – контрастный цвет по отношению к желтому (горизонтальный небесный свод)... Красный – это соединение желтого и синего”.
В этой же книге он обосновывает и ограничения экспрессии неопластицизма прямоугольными элементами. Однако до появления работ Ритвельда (1888-1964 гг.) неопластицизм не касался архитектуры.
В 1917 г. Ритвельд создал знаменитый красно-синий стул, выполненный на основе раскладывающегося кресла-кровати, который стал затем первым экспериментом применения в трехмерном пространстве принципов эстетики неопластицизма. Стул сочетает основные цвета - красный и синий с черным каркасом. При добавлении к данной комбинации серого и белого цветов, получится стандартная цветовая гамма движения “Стиль”. Так задуманное как “аппарат для сидения”, экстравагантное красно - синее кресло превратилось в яркий скульптурный символ “Стиля”.
В 1918-1920 годах Ритвельд продолжил создание скромных предметов обстановки: детская коляска, буфет, тачка стали прямые потомки красно-синего стула. Продолжением работы стал созданный в Марселе в 1920 г. проект рабочего кабинета доктора Хартога, этой работой Ритвельд хотел показать эффект бесконечного ряда координат (из набора аксессуаров кабинета) в пространстве.
Дом Шредера в Утрехте, который был построен по проекту Ритвельда, наиболее ярко представил идеи неопластицизма и стал самым известным архитектурным воплощением этого стиля, к тому же в нем гениально воплотились все 16 характерных для “пластической архитектуры” Ван Дусбурга пунктов: он был элементарным, динамичным и немонументальным, функциональным и экономичным, антидекоративным по цвету и антикубистическим по форме.
Если общее для всех понятие “пространство – время” исследовалось кубистами путем моделирования пространства, то футуристами – путем изучения процесса действия и движения в любом их проявлении – в искусстве, политике или даже войне